- Kakšen je izvor in zgodovina gledališča?
- Grški izvor gledališča
- Izvor nezahodnega gledališča
- Liturgična drama in srednjeveško gledališče
- Razcvet japonskega gledališča
- Renesančno gledališče in commedia dell'arte
- Vhod v sodobnost
- 20. stoletje in sodobnost
Pojasnjujemo nastanek in zgodovino gledališča na različnih koncih sveta, od pradavnine do danes.
Kakšen je izvor in zgodovina gledališča?
The gledališče, umetniška zvrst, v kateri je literature (dramaturgija) in uprizoritvene umetnosti (gledališka predstava), je ena najstarejših oblik umetniškega izražanja v zgodovini. človečnost.
Čeprav njegov izvor običajno sega v Antika klasika zahoda, resnica je, da skoraj vsi starodavne kulture imeli so neko obliko gledališča ali zelo podoben spektakel, s katerim so izobraževali svojo mladino, molili bogovi ali se spomnil svojih miti temeljni.
Prvi, ki so gledališče razumeli kot umetnost samo po sebi, torej kot »dramsko umetnost«, pa so bili stari Grki v 6. do 4. stoletju pr. c.
Stari Grki so praznovali določene rituali verski v čast Dioniza, boga vina in plodnosti, znan kot bakanalija. V teh obredi the ples in stanja transa so bila normalna, pa tudi določena pripoved in uprizarjanje ustanovnih mitov, in slednje je bilo tisto, kar je rodilo gledališče.
Grški izvor gledališča
Nastala je v 6. stoletju pr. C. po zaslugi Dionizovega svečenika, imenovanega Thespis, ki je uvedel pomembno spremembo obredov: dialog ki jih je imel z zborom ob vsakem festivalu.
Tako je Thespis postal prvi odrski igralec. Pravzaprav je po kronikah III stoletja a. C. Sam Thespis je zmagal na prvem gledališkem tekmovanju v Grčiji, ki je potekalo v Atenah leta 534 pr. c.
Od takrat naprej so postala gledališka tekmovanja zelo pogosta na festivalih v čast Dioniza, ki so trajali cele štiri dni in uporabljali pregrajene lesene strukture za orkester, občinstvo in oder okoli Dionizovega kipa.
V celotnem 5. in 4. stoletju pr. C. je grško gledališče zacvetelo in se osamosvojilo od čaščenje verski. Vendar je bil še naprej mehanizem grške družbe za izobraževanje mladih v religija, the mitologija in klasične državljanske vrednote.
Takrat so nastali trije veliki grški dramatiki: Ajshil (525–456 pr. n. št.), Sofoklej (496–406 pr. n. št.) in Evripid (484–406 pr. n. št.), avtorji obsežnega nabora tragičnih iger, ki so obravnavale velike grške mite. Skupaj z njimi so se množili veliki grški komediografi, kot je Aristofan (444–385 pr. n. št.).
Gledališče je bilo v grški kulturi tako pomembno, da je filozofa Aristotela (384–322 pr. n. št.) navdihnilo, da je napisal prvo razpravo o dramski umetnosti v zgodovini človeštva: Poetika od leta 335 pr c.
Prav tako je bilo tako pomembno za takratni sredozemski prostor, da ga je rimska kultura vzela za model in navdih za razvoj lastnega gledališča med 2. in 3. stoletjem pr. C. Tako so se pojavili avtorji tako slovesa, kot sta Plavt (254–184 pr. n. št.) in Terencij (185–159 pr. n. št.), katerih igra bile so del veliko večjega dogodka v rimski kulturi: rimskih iger v čast bogovom.
Rimljani so v svojo kulturo vključili tudi grško dramaturško zapuščino in jo v latinščini ohranili za mnogo poznejše bralce.
Izvor nezahodnega gledališča
Tudi na vzhodu sveta so bile v starih časih bogate gledališke tradicije, zlasti v starodavni kulturi Indije. Indijsko gledališče je zraslo iz verskih in obrednih plesov.
To gledališče je dobilo formalno študijo okoli 4. in 2. stoletja pr.C., sodeč po tem, kar Natia-šastra, starodavna hindujska razprava o plesu, pesmi in drami, pripisana muzikologu Bharata Muni (datumi niso znani). To delo preučuje predvsem indijsko klasično gledališče, vrhunec sanskrtske literature.
V tej vrsti drama kot junak so se pojavile zelo stereotipne figure (nayaka), junakinja (nayika) ali klovn (vidusaka), sredi mitoloških in verskih zgodb o izvoru bogov. Predstava je bila sestavljena bolj kot iz plesa in dialoga igralcev, oblečenih in naličenih, a brez odra in okrasja.
Indijsko gledališče se je dolgo časa izvajalo skoraj brez prekinitev ali sprememb, vrhunec pa je doseglo med 3. in 5. stoletjem našega štetja. Dva velika dramatika te tradicije sta bila Sudraka (3. stoletje n. š.) in Kalidasa (4.–5. st. n. št.), slednji avtor velikih ljubezenskih iger.
Druga pomembna nezahodna tradicija, kitajsko gledališče, je nastala okoli 6. stoletja pr. C. Sestavljali so jo predvsem plesi, akrobacije, mimika in obredna dejanja brez določenega žanra.
Igralci, vsi moški, bi lahko igrali različne tipe stereotipnih vlog, bodisi moških (sheng), žensko (torej), stripi (chou) ali bojevniki (čing). V mnogih primerih so bile uporabljene maske in ličila.
Kitajska tradicija je navdihnila podobne različice na Japonskem in v drugih državah jugovzhodne Azije, ki so se razcvetele v kasnejših stoletjih, na Zahodu pa jih niso poznali skoraj do devetnajstega stoletja.
Liturgična drama in srednjeveško gledališče
Po padcu Rimsko cesarstvo, je gledališče na Zahodu izgubilo svoj stari ljudski in verski pomen: to je zato, ker je krščanstvo zavrnil dediščino poganski od Evropi in naredil je vse, kar je bilo v njegovi moči, da bi se razlikoval in distanciral od te tradicije. Vendar sta bila do 10. stoletja krščanska liturgija in praznovanje velike noči osrednja dogodka v krščanski kulturi in sta bila izvedena z velikim pompom in kuliso.
Tako je v Srednja leta nastalo je liturgično gledališče, ki je reproduciralo najpomembnejše prizore krščanske mitologije, kot je obisk Marije Magdalene na grobu Jezusa Kristusa. S tem se je rodila bogata tradicija kasnejše krščanske dramaturgije.
Približno v enajstem in dvanajstem stoletju so številni francoski samostani začeli uprizarjati svetopisemske zgodbe na ploščadi zunaj templja, prav tako so opustili latinski kult za uporabo ljudskih jezikov, bližje ljudem. Pogoste so bile uprizoritve Geneze ali Apokalipse ali mučnih življenj svetnikov, na primer svete Apolonije ali svete Doroteje.
Ko so ta gledališka dejanja postajala kompleksnejša, so jih začeli razstavljati na plovnih ali premičnih odrih, da bi liturgijo in cerkveno zgodbo ponesli na različne konce države. To je bilo še posebej priljubljeno v Španiji in postali so znani pod imenom Zakramentalni avtomobili, torej drame evharistije.
Podobni dogodki so se takrat lotili tudi v Angliji, zlasti med Corpus Christi, in postale priljubljene oblike gledališča, pogoste po vsej Evropi do 16. stoletja.
Od takrat naprej so se pojavili njegovi glavni nasprotniki: protestantski puritanci, ki so obsojali prevladujoč humor in drznost v njegovih predstavah, in humanisti Renesanse, ki je s slabimi očmi videl svoje lahkomiselnost in njegovo povezavo z določeno srednjeveško tradicijo, od katere so se želeli odcepiti.
Posledično so bila mnoga od teh del prepovedana v Parizu in v državah protestantske Evrope, medtem ko so cvetela v protireformacijski Evropi, predvsem v Španiji. veliki avtorji barok Španci, kot so Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) in Calderón de la Barca (1600-1681), sodijo med največje avtorje zakramentalnega dejanja.
Razcvet japonskega gledališča
Medtem se je v 14. stoletju na Japonskem kristalizirala izvajalska kultura. Japonsko gledališče, dedič šintoističnih plesov in budističnih obredov, tako lastnih kot prejetih iz Kitajske in drugih azijskih narodov, je naredilo najpomembnejše korake.
Od takrat naprej so prve korake naredile tri velike težnje:
- Prefinjena lirična drama gledališča noh in kyogen.
- Literarno lutkovno gledališče Bunraku.
- Kasneje gledališče kabuki, dramski spektakel meščanstva.
Gledališče Noh je nastalo v Kjotu okoli leta 1374 pod vodstvom šoguna Yoshimitsuja, s čimer se je začela pomembna tradicija gledališkega pokroviteljstva japonskih fevdalcev.
Večino del v tem slogu, ki so jih z neskončno milino in prefinjenostjo izvajali moški igralci ob spremljavi majhnega zbora, je v naslednjih desetletjih napisal Kanami Motokiyo, njegov sin Zeami Motokiyo in kasneje zet slednjega, Zenčiku. Od 15. stoletja je bilo za gledališče Noh napisanih nekaj novih iger.
Morda je zaradi tega proti 16. stoletju japonska gledališka panorama predstavljala določen zaton. K temu je treba dodati še prepoved vseh gledaliških predstav, v katerih so igrale ženske iz leta 1629, potem ko so predstavitve šintoistične svečenice O-Kuni razburile javnost v Kjotu.
Zato se je na začetku 17. stoletja pojavilo novo japonsko gledališče, ki je zapolnilo praznino, ki je odražalo nove meščanske občutke tistega časa: Kabuki, uspešno kavarniško gledališče, ki je uporabljalo razkošne nastavitve in dovršene kostume, katerih dela so izvirala iz literarne tradicije in lutkovnega gledališča.
Renesančno gledališče in commedia dell'arte
Kot v mnogih drugih umetnost in znanje, Renesansa Evropa je v gledališču in dramaturgiji zaznamovala prej in potem. Dela so postala bolj naravna, izgubila so versko obveznost in rešila Aristotelovo teoretsko zapuščino ter starodavne mite in klasične simbole.
Zmagoslavje buržoazija ko je novi prevladujoči družbeni sloj povzročil spremembo gledališke občutljivosti in kmalu je bilo priča rojstvu novih žanrov in novih stilov, kot sta špansko baročno gledališče in angleško elizabetinsko gledališče, v čigar tradiciji so se pojavila velika imena, kot sta Miguel de Cervantes in William Shakespeare.
Najpomembnejša med novimi oblikami gledališča pa je bila italijanska Commedia dell'Arte, ki se je pojavila okoli leta 1545 kot oblika uličnega in ljudskega gledališča, ki pa so ga izvajali profesionalni igralci. Številne gledališke skupine so bile potujoče, selile so se iz mesta v mesto in postavljale začasne odre.
Tam so predstavljali kose komedija fizične, gledališke improvizacije ter lastne komade, katerih znakov zlahka in hitro so jih prepoznali, saj so vedno nosili enake maske. na primer hlače bil je pompozen in slabe volje starec, ki so mu zbijali šale in potegavščine, medtem ko Harlecchino je bil šaljiv in drzen služabnik ter Pulcinelli bil je trebušasti, grbasti specialist za pretepanje.
Od takrat naprej so se v Evropi, ki je vedno bolj cenila dramaturgijo, začele uveljavljati nove oblike gledališkega spektakla. The tragikomedija postal priljubljen žanr, nekakšen vmesni člen med komedijo in tragedija. V 17. stoletju se je pojavila tudi opera in tako imenovani »italijanski stil« gledališča se je razširil po Evropi.
V tem istem kontekstu je francosko gledališče doživelo pomemben razcvet, zahvaljujoč priznanim dramatikom, kot sta Pierre Corneille (1606–1684) in Jean Racine (1639–1699), velika avtorja tragedij, zlasti Jean-Baptiste Poquelin, boljši znan kot Molière (1622-1673), igralec in avtor komedij, fars, tragikomedij in nekaterih najbolj slavnih del v francoskem jeziku.
Vhod v sodobnost
Naslednja velika sprememba v zahodni gledališki tradiciji je prišla z romantika Nemščina, še posebej Sturm und Drang v drugi polovici osemnajstega stoletja.
Tako kot v drugih umetnostih je tudi gledališka romantika poudarjala sentimentalnost in dramo proti racionalizmu, ki se je pojavil z Ilustracija francosko. Najraje je imel temne, skrivnostne teme, predvsem tiste iz popularne kulture in folklore.
Zapuščina avtorjev, kot sta Wolfgang von Goethe (1749-1832) in Friedrich Schiller (1759-1805), z velikimi dramskimi deli, kot sta Faust ali William Tell na začetku 19. stoletja, je bila navdih za rojstvo nov žanr: melodrama, ki je vključevala glasbo, da bi poudarila čustva likov.
Iz roke nacionalizem Evropski, ta novi slog se je prijel v skoraj vseh državah in ustvaril priznana dela in avtorje, kot so Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla in mnogi drugi.
Utemeljitev modernega gledališča pa se je, pravzaprav, zgodila globoko v 19. stoletju, z nastankom realističnega gledališča, zmagoslavja racionalizma nad romantiko. Realizem je poudarjal potrebo po naturalističnem gledališču: prizoriščih, podobnih resničnim, verjetnih predstavah in brez veličastne dikcije ali gest.
Realizem se je pričakovano rodil v Franciji, zibelki razsvetljenstva.Svoj izrazni višek pa je dosegla pod peresom nordijskih avtorjev, kot sta Šved August Strindberg (1849-1912) in Norvežan Henrik Ibsen (1828-1906), ali celo pri prav tako vidnem ruskem piscu kratkih zgodb Antonu Čehovu (1860- 1904).
20. stoletje in sodobnost
Prihod burnega 20. stoletja je s seboj prinesel avantgarde, nenehen vir inovativnost formalno in estetsko, ki je rodilo številne gledališke šole v Evropi in Ameriki.
Na splošno je avantgarda v svojih likih iskala večjo intenzivnost in psihološko globino, pri čemer je opustila tri klasične aristotelovske enote in pogosto sprejela odpoved in politično militantnost. Poleg tega je po njihovi zaslugi vloga gledališkega režiserja pridobila veljavo nad igralci; vloga, primerljiva s filmskim režiserjem.
Avantgardnih gledaliških gibanj je preveč, da bi jih lahko našteli v celoti, vendar velja opozoriti na ekspresionizem, »epsko gledališče« Bertoldta Brechta, gledališče absurda, povezano s filozofijo eksistencializem in dela Antonina Artauda, Eugèna Ionesca in Samuela Becketta.
Poleg tega sta nekonformnost in protiburžoazna čustva Jezni mladeniči: Harold Pinter, John Osbourne in Arnold Wesker. Druga velika imena tistega časa so bila med drugim Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán.
Sodobno gledališče se od leta 1960 skuša ponovno povezati z gledalčevimi čustvi in se odmika od epskega gledališča in političnih sporočil. Obstajajo številni gledališki vidiki, ki se skušajo odtrgati od odra in ponesti gledališče na ulico ali vključiti publiko na oder ali se celo zateči k dogajanje ali improvizirano situacijsko gledališče v resničnem življenju.